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Quand les artistes vidéastes s’emparent du cinéma

Shortcuts #13, préparé et animé par Florence Lesavre et Sylvie Balland, a eu lieu à Telecom Paristech le 9 décembre 2015.

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Cycle des contenus parcourus lors de la séance

Présentation de la séance

Cette séance nous a fait partager plus d’une vingtaine de travaux d’artistes vidéo qui incluent des traces, des résurgences, des citations du septième art sur d’autres écrans, avec ou en-dehors de la fiction. À partir des œuvres, notamment, de Dominique Gonzalez-Foerster, Christian Marclay, Pierre Bismuth, Pierre Huyghe, Pascale Ferran et d’autres, nous avons pu aborder les questions suivantes :

  • Comment tous les quotidiens, reflétés par le cinéma, nous donnent-ils à voir des bribes de réalités, des histoires à lire ou à inventer ?
  • Comment ouvrent-ils des liens dans notre relation au temps, à l’espace, aux images… bref, au monde ?
  • Et si nous considérions « les films de cinéma » comme un « fond commun » de notre « imaginaire collectif » ?

Mashups et manipulations…

… s’invitent à l’exposition Musique & Cinéma qui se déroule à la Cité de la Musique du 19 mars au 18 août 2013. 4 dispositifs au moins retiennent l’attention.

2 d’entre eux reposent sur une compilation d’extraits de films qui sont emblématiques du rapport entre musique et cinéma. Ils s’apparentent à des mashups, à condition de s’accorder sur une définition du mashup qui nous donne à le voir comme un dispositif de médiation du cinéma reposant sur un mélange d’images et de sons .

Le premier mashup est sommaire Il est directement installé dans la salle principale du rez-de-chaussée. Des séquences sont mises bout-à-bout sans logique particulière. On peut ainsi voir et entendre la scène d’ouverture de Drive de Nicolas Winding Refn (2011) et le titre de Kavinsky, « Nightcall », ou celle de Jackie Brown de Quentin Tarantino (1997) sur le célèbre morceau de Bobby Womack, « Across 110th Street » :

Ce dispositif a pour effet de rythmer la déambulation dans une salle d’exposition quasi rectangulaire, à peine dotée de quelques recoins. Nous observons qu’il y a de nombreux visiteurs qui se mettent à siffloter les aires qui leur sont donnés à entendre. Le dispositif permet également de faire une pause, les visiteurs n’hésitant pas à s’arrêter devant l’écran pour (re)voir les séquences entre deux lectures de cartels ou deux consultations de documents.

L’autre mashup est plus remarquable, car il glorifie une série de 40 scènes emblématiques de l’histoire du cinéma. Il est présenté au sous-sol, dans une pièce entièrement plongée dans le noir, pour reproduire les conditions de la projection en salle. Le programme est annoncé avant l’entrée dans l’espace :

Programme des séquences projetées dans la salle en sous-sol
Programme des séquences projetées dans la salle en sous-sol

Les visiteurs sont invités à s’asseoir. Toutefois, pour faire face à l’affluence, certains restent debout, en arrière. Le programme dure environ une heure. Si la plupart des visiteurs n’en regarde qu’une partie, comme c’est le cas avec la plupart des dispositifs vidéo dans les musées, le temps passé dans cette salle, aussi infime soit-il, permet de se rendre compte qu’il y a un réel travail d’agencement et de montage des séquences, ainsi qu’une logique narrative qui est maintenue.

Les deux autres dispositifs sont manipulables. Ils favorisent l’appropriation et l’expérience d’une situation. Un écran tactile, tout d’abord, est mis à disposition du visiteur pour comparer 2 versions musicales  d’une même scène de 2001, l’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick (1968). Le premier track permet d’écouter la bande sonore originale, autour d’un thème de Johann Strauss. Le second track permet d’apprécier ce qu’aurait pu être la même scène avec la musique, commandée et finalement rejetée, du compositeur Alex North.

Manipulation de la bande son de 2001 L’odyssée de l'espace
Dispositif de manipulation de la bande son de 2001, L’odyssée de l’espace de Stanley Kubrick

Le dernier outil est une table tactile permettant de simuler une situation de mixage sonore lors de la postproduction d’un film. Autour de 3 extraits mis librement à disposition des visiteurs, ces derniers peuvent choisir d’augmenter le son de la bande musicale ou celle des dialogues, d’insérer des basses ou de supprimer un élément sonore… la table est située face à un écran, afin d’effectuer des manipulations en temps réel et en direct. La salle est capitonnée pour optimiser les conditions de simulation.

Ce que l’on retiendra de ces expériences, c’est qu’elles participent, à la fois, de l’introduction du principe d’annotation et de celui de participation des visiteurs dans le déroulement d’une exposition. Elles dérogent à la règle d’un cinéma sanctuarisé et sur-réglementé, et rendent compte d’un état de fait : les individus (concepteurs et utilisateurs) ont maintenant pris l’habitude, avec Internet, de manipuler le cinéma, les images et les sons à des fins ludiques, mais surtout médiatiques.