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L’école et la diffusion d’une culture audiovisuelle

Émergence d’un langage

La diffusion massive du cinéma et de la vidéo depuis un siècle a permis la montée d’un nouveau langage élaboré à partir d’images animées. Des auteurs n’ont pas manqué de relever ce phénomène, à l’instar de Lawrence Lessig et de ou Régis Debray qui parlent, respectivement, de « société vidéographique »[1] et de « vidéosphère »[2]. Dans leurs travaux, ces deux chercheurs insistent clairement sur la valeur scripturale de la vidéo.

Comme pour toutes formes d’écritures, des « arts de faire »[3] se sont peu à peu installés : le plan-séquence des frères Lumière ; la pratique du montage avec George Méliès ; la mise en relation de plans de telle manière qu’ils influent sur la structure globale du récit filmique, comme cela a été révélé par Lev Koulechov ; la recherche de l’intimité la plus profonde avec le réel, projet porté par les tenants du cinéma direct des années 1960-1970.

Dans les marges de ces grands projets d’élaboration d’un langage cinématographique, on a vu émerger des façons de faire qui sont autant de manière d’utiliser la matière filmique pour s’exprimer. Et ces marges sont d’autant plus grandes que les possibilités de capter des images se multiplient dans le temps, d’abord avec la poussée des matériels amateurs, et bientôt avec les technologies du numérique, ce qui offre la possibilité à un nombre croissant d’individus d’utiliser des images animées pour créer et communiquer.

videoplayer

Des événements vidéographiques

La construction d’un langage n’est pas uniforme : elle s’élabore dans le temps long et elle s’établit par touche. L’acte de construction d’un discours vidéo a longtemps été entre les mains de quelques-uns (les cinéastes professionnels). Il est aujourd’hui à la portée de tous. Producteurs d’images originales ou remixeurs d’images sont en prise avec des matériels de tournage, de montage, de manipulation de la vidéo. Deux expériences retiennent l’attention.

Il y a d’abord l’élaboration de discours vidéo originaux et/ou une pratique de médiatisation de son activité à l’aide d’applications telles que Vine, Snapchat ou Periscope. L’utilisateur reprend alors à son compte le principe ancestral du plan-séquence ; il travaille son montage pour produire un récit minimal ; il réalise des trucages. Il peut également s’adonner à une activité cinématographique avec une caméra, un ordinateur et un logiciel de montage. Dans tous les cas, l’objectif est de communiquer avec une communauté d’intérêt(s) qui sera soit publique, soit fermée et composée de proches.

Il y a ensuite le principe du mashup qui consiste à agencer des séquences filmiques préexistantes pour produire un nouveau montage et donc, un nouveau discours. Cette pratique, qui repose sur le déplacement de fragments de films ou de vidéos pour produire un nouvel objet audiovisuel, entraîne une modification du sens des fragments. C’est ce qu’Antoine Compagnon appelle « la mobilité du sens » quand il parle de la citation – c’est-à-dire de l’extraction puis du déplacement d’un fragment textuel vers un autre texte[4].

Là encore, le mashup entretient une filiation assez claire avec des pratiques anciennes : le Found Footage (qui consiste à réaliser un film à l’aide d’images d’archives)[5] ou des pratiques connexes appartenant à d’autres champs, comme le Cut-Up en littérature[6]. Il s’en distingue pourtant, car il est doté d’une valeur médiatique. En effet, il maintient une relation étroite avec le contenu premier qu’il médiatise. Avec le mashup, il ne s’agit pas de rendre la source absente, mais bien de dialoguer avec elle.

Pour une éducation à la lecture des images et aux pratiques vidéo

Il y a actuellement une poussée des discours critiques qui étaient, ces dernières années, cantonnés à quelques poches de la sphère académique ou des milieux intellectuels. Une partie d’entre eux repose sur des rumeurs[7], comme ceux qui laisse entendre que les personnels de la Silicon Valley éloignent leurs enfants des écrans[8]. L’autre partie est argumentée et structurée. Mais l’intention est la même : dénoncer le pouvoir aliénant des images qui pactisent massivement avec la société du capital selon un principe de standardisation des structures de récit. Ce que Peter Watkins appelle Monoforme[9].

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Ces critiques portent sur le cinéma hollywoodien et ladite pauvreté des programmes télévisuels, marronniers des critiques faites aux images en prise avec le système capitaliste. Cependant, les plus vives d’entre elles portent aujourd’hui sur Internet, compte tenu de sa récente et fulgurante montée en puissance. Outre la forme des images, on dénonce l’emprise des économies d’écrans qui produisent une sérendipité téléguidée grâce aux algorithmes et aux métadonnées ; on dénonce également le brouillage entre réel et fiction, ainsi que la publicité. Le phénomène récent des Creepyspastas entérine cela. Ce sont des histoires ludiques et mystérieuses, hollywoodisées, qui prennent la forme de légendes urbaines et qui mettent l’internaute au centre d’un système de promotion virale d’un produit.

En ce sens, les pratiques de lecture et de production d’images animées, qui ont longtemps été considérées comme accessoires par les pouvoirs publics et ont été abandonnées à des initiatives issues de l’éducation populaire, sont sérieusement reprises en main par les institutions et les pédagogues. On observe une prise de conscience généralisée qui les conduit à placer ces pratiques au centre des apprentissages, car elles s’imposent comme des fondamentaux utiles pour évoluer dans nos sociétés contemporaines. C’est ainsi qu’on voit se multiplier des initiatives dans les écoles avec des logiciels d’annotation expérimentaux (Celluloid, Lignes de Temps, Vialogues), de petites caméras ou des appareils photo.

Michaël Bourgatte

Ce texte a fait l’objet d’une conférence le 3 septembre 2015 lors des Rencontres du pôle d’éducation à l’image – Films en Lorraine, à l’Institut Européen du Cinéma et de l’Audiovisuel de Nancy.

[1] Lessig, L. (2009). Remix : Making Art and Commerce Thrive in the Hybrid Economy. New-York : Penguin Press.

[2] Debray, R. (1992). Vie et mort de l’image. Une histoire du regard en Occident. Paris : Gallimard.

[3] Certeau (de), M. (1990). L’invention du quotidien. Arts de faire. Paris : Gallimard

[4] Compagnon, A. (1979). La seconde main ou le travail de la citation. Paris : Le Seuil.

[5] Brenez, N (2002). « Montage intertextuel et formes contemporaines du remploi dans le cinéma expérimental.” Cinémas: Revue D’études Cinématographiques 13, no. 1–2 : 49–67.

[6] Lemaire, G.G. (1994). « Les mythes que renferme la machine à écrire molle ». Préface à Burroughs, W. La machine molle – Le ticket qui explosa – Nova Express. Paris : Christian Bourgeois, p. 9-26.

[7] Morin, E. (1982). La rumeur d’Orléans. Paris : Le Seuil.

[8] Parmi d’autres, cf. : http://www.francetvinfo.fr/monde/ameriques/ces-patrons-de-la-silicon-valley-qui-interdisent-la-high-tech-a-leurs-enfants_695203.html

[9] Watkins, P. (2015 [2004]). Media crisis. Paris : L’Echappée.

Je copie, je colle, je crée : pour une culture de l’appropriation

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Passeurs d’Images est un dispositif d’éducation à l’image qui met en place des projets d’action culturelle cinématographique et audiovisuelle hors temps scolaire. Du 9 au 11 janvier 2014, Passeurs d’Images organise ses rencontres annuelles autour de la thématique du « plaisir de jouer avec les images » à la Maison des Métallos. Pour l’occasion, Michaël Bourgatte a été invité à la table « Je copie, je colle, je crée : pour une culture de l’appropriation », qui se tiendra le 9 janvier 2014 entre 16:40 et 18:30. Cette table abordera la question des détournements, du mashup, du remix, du found footage et, plus largement, la question de la réappropriation des contenus. Comment et pourquoi créer à partir d’images existantes ? Faudrait-il repenser l’articulation entre amateur et professionnel, producteur de contenu et récepteur ?

La table sera animée par Jean-Jacques Gay, Curateur indépendant, critique d’art, enseignant en cinéma et nouvelles technologies. Avec Sophie Accolas, Anthropologue ; Michaël Bourgatte, Sociologue, ICP – Centre E. Branly ; Yves-Marie Mahé et Derek Woolfenden, Réalisateurs, Collectif Négatif, YNA et bAc, Fondateurs de Vidéosampleur (VSP).

Michaël Bourgatte reviendra sur la problématique générale de la manipulation des images qui n’est pas un phénomène nouveau. En effet, dès l’origine du cinéma, les cinéastes ou des monteurs habilités coupent, collent et remontent les films, générant des versions multiples. On voit qu’il y a quelque chose qui relève de l’expérimentation et de l’expérience dans ces pratiques, et que celles-ci ne sont pas réductibles à de l’amusement. Il y a une volonté réelle de produire des objets cinématographiques originaux et particuliers. Aujourd’hui, avec les technologies du numérique et internet, ce type de pratiques s’est banalisé au sein des communautés d’amateurs. On a souvent tendance à regarder ces films sous le seul angle de la distraction et de l’amusement. Or, ils sont chargés d’un discours social et convoquent des univers culturels de référence.

La notion de plaisir, qui est rattachée à la manipulation des images et à la réalisation de films amateurs, doit donc être approchée de deux manières. Il y a d’abord le plaisir simple de l’activité créative : découper, transformer, assembler des séquences filmiques. Il y a, ensuite, le plaisir complexe de l’élaboration d’un message que l’on souhaite faire passer à un destinataire ou à un public à partir de ce nouveau montage. Ce qui veut dire que le plaisir n’est pas solitaire. Il prend forme dès lors qu’un individu regardant le film manifeste, en retour, du plaisir : plaisir de voir, d’une part, et plaisir d’apprendre ou de comprendre, d’autre part.

Plaisir et manipulation d’images

Blow Up sur Arte TV ou la production de mashup sérieux
L’émission Blow Up sur Arte TV ou la production de mashup sérieux

La manipulation des images n’est pas un phénomène nouveau. Dès l’origine du cinéma, les cinéastes ou des monteurs habilités coupent, collent et remontent les films, générant des versions multiples. À titre d’exemple, la BnF dispose de 17 versions différentes du Nosferatu de Friedrich Murnau. On n’hésite pas, non plus, à coloriser les films, comme c’est le cas de Georges Méliès qui prenait un malin plaisir à déposer des couleurs sur la pellicule. Plus tard, la pratique de Found Footage se banalise dans le champ du cinéma expérimental. Il s’agit de couper des segments de films provenant de sources différentes et de coller ensemble ces extraits pour produire un nouveau film.

On voit qu’il y a quelque chose qui relève de l’expérimentation et de l’expérience dans ces pratiques, et que celles-ci ne sont pas réductibles à de l’amusement. Il y a une volonté réelle de produire des objets cinématographiques originaux et particuliers. Aujourd’hui, avec les technologies du numérique et Internet, ce type de pratiques s’est banalisé au sein des communautés d’amateurs. On a souvent tendance à regarder ces films sous le seul angle de la distraction et de l’amusement. Or, ils sont, comme un film de Friedrich Murnau, de Georges Méliès ou d’Isidore Isou, chargés d’un discours social et convoquent des univers culturels de référence.

La notion de plaisir, qui est rattachée à la manipulation des images et à la réalisation de films amateurs, doit donc être approchée de deux manières. Il y a d’abord le plaisir simple de l’activité créative : découper, transformer, assembler des séquences filmiques. Il y a, ensuite, le plaisir complexe de l’élaboration d’un message que l’on souhaite faire passer à un destinataire ou à un public à partir de ce nouveau montage. Ce qui veut dire que le plaisir n’est pas solitaire. Il prend forme dès lors qu’un individu regardant le film manifeste, en retour, du plaisir : plaisir de voir, d’une part, et plaisir d’apprendre ou de comprendre, d’autre part.

Ce principe de manipulation de documents audiovisuels à l’heure du numérique est aujourd’hui popularisé sous le nom de mashup. L’objectif du mashup est de créer un réseau de concordances matérielles et symboliques entre des extraits. La mise en concordance matérielle renvoie au geste technique qui conduit à associer des extraits entre eux. La mise en concordance symbolique correspond à la convocation d’univers culturels de référence. Ce sont donc des images populaires, reconnues de tous et qui circulent massivement qui dominent ce champ de l’écriture audiovisuelle. Une des conséquences de cette pratique est qu’elle tend vers des modèles parodiques ou de pastiche (ce qui a pour effet de produire du rire), puisqu’elle repose sur un travail d’agencement de morceaux ou de segments extraits de films facilement identifiables.

Le plus généralement, le mashup est le fruit d’un travail réalisé par le grand public, car il est facile de manipuler des films pour produire de nouveaux contenus avec des logiciels gratuits comme Movie Maker, iMovie ou PopCorn Maker. Une des conséquences du caractère massif et populaire du mashup est qu’il n’a pas une forme unique et stable. Il se décline de différentes manières et connaît de nombreuses variations. Dans sa forme pure, il ne repose que sur l’association d’extraits provenant de sources différentes. Mais il peut prendre d’autres formes : insertion d’une voix-over sur des images, ponction d’une phrase ou d’un geste dans un film et recomposition, utilisation d’un moteur de jeux vidéo ou de séquences de parties de jeux, réalisation musicale reposant sur des mixes de vidéos ou sur l’extraction de segments sonores, etc.

Toutefois, il n’y a pas que des mashups ludiques. Le Forum des Images et ses partenaires s’appliquent à faire circuler cette idée, depuis trois ans, dans le cadre du Mashup Film Festival. On rencontre des formes sérieuses et cultivées, un peu à la manière du Serious Game qui a fait la preuve que le jeu n’a pas qu’une visée distractive et qu’il peut, au contraire, se présenter comme un support pédagogique d’apprentissage, de mise en circulation des connaissances et des savoirs. Le programme Blow Up d’Arte TV diffuse des mashups sérieux reposant sur un assemblage thématique de séquences, afin de produire du discours sur le cinéma et sur notre culture des images (le mashup « La course à pied » contient des scènes d’American Beauty de Sam Mendès, d’À bout de souffle de Jean-Luc Godard ou encore de Shame de Steve McQueen ; le mashup « Piscine et cinéma » est composé de scènes de La Piscine de Jacques Deray ou de Swimming Pool de François Ozon).

En décembre 2012, la Bibliothèque Publique d’Information (BPI) du Centre Pompidou a mis en place une expérimentation en partenariat avec l’Institut de Recherche et d’Innovation (IRI) du Centre Pompidou. Il s’agissait d’offrir aux usagers de la bibliothèque la possibilité de réaliser des mashups à l’aide d’un logiciel expérimental, autour d’un fonds de films documentaires sur l’habitat pour lequel la BPI a l’intégralité des droits (il faut savoir qu’une des principales limites à la pratique du mashup est d’ordre juridique puisqu’il est, pour l’heure, illégal de manipuler des films sans l’accord préalable des ayants droit. Ainsi, toutes les productions que l’on peut trouver sur Internet sont hors-la-loi et parviennent à rester en ligne seulement parce qu’il existe des formes de tolérance). L’objectif était de promouvoir une nouvelle forme de médiation du cinéma basée sur la réalisation de mashups sérieux, chacun des segments filmiques utilisés pour leur réalisation restant lié au film d’origine (selon un principe d’hyperliens qui permet de circuler entre les films).

Le réalisateur de mashups se muait alors en médiateur, en ce sens qu’il mettait en discussion des extraits de films et qu’il offrait la possibilité aux usagers de la BPI de découvrir des contenus appartenant au fonds de la bibliothèque. Ce modèle des liens maintenus entre les films dans le numérique, tel qu’il avait été imaginé dès les années 1960, puis marginalisé (parce que trop complexe), commence aujourd’hui a être repris par des institutions, afin d’assurer la découverte du cinéma, ainsi que son utilisation en toute légalité. Ce n’est donc pas le seul plaisir de la manipulation des images qu’il convient de mettre en avant pour justifier la mise en place d’ateliers de découverte du cinéma. Il y a aussi la valeur médiatique du mashup qu’il importe de promouvoir pour offrir un devenir à cette pratique, justifier son intérêt et assurer sa pérennité.

Ce texte a fait l’objet d’une conférence lors des 11° Rencontres Passeurs d’Images le jeudi 9 janvier 2014 à la Maison des Métallos, Paris.

What is a Shred?

Shred_illustrationÀ mon ami Pierre, amateur éclairé,

Le shred est de ces tendances créatives en ligne qui consiste à parodier une chanson ou une musique, puis à la mettre en clip, en la tournant en dérision comme s’il s’agissait d’amateurs non éclairés qui s’adonnaient à son interprétation. Ou plutôt : il s’agit de parodier une interprétation en donnant l’impression que des professionnels de la musique ne savent soudainement plus jouer de leurs instruments. Car le shred consiste à mettre en scène des clips ou des extraits de captation vidéo dans lesquels on peut voir des artistes reconnus interpréter des morceaux en multipliant fausses notes et autres « canards ».

De l’anglais, « déchiqueter » ou « mettre en lambeaux », le shred est un mot qui est originellement utilisé pour « désigner une tendance à la virtuosité » qui met l’accent « sur la vitesse et la qualité technique de l’exécution » (source : Wikipedia). Il appuie également l’idée d’une technicité qui repose sur des formes de manipulations non conventionnelles de l’instrument et la production de notes dissonantes. Dans le milieu de la musique métal, cette tendance fut initiée par Eddy Van Halen et prolongée par des guitaristes comme Yngwie Malmsteen ou Steve Vaï.

Parler de shred, aujourd’hui, pour désigner ces manipulations de vidéo musicales, revient à faire écho, d’une part, au sens premier du mot lui-même et, d’autre part, à son sens dérivé. Car il s’agit bel et bien d’anéantir les qualités d’un titre et de faire un pied de nez à cette idée de virtuosité musicale à laquelle il renvoie également.

Si le shred donne à entendre une interprétation de mauvaise qualité, l’association entre le son et l’image produit indéfectiblement du rire, un rire généré par l’improbable des situations : des stars de la chanson, des génies de la musique qui « jouent comme des pieds » avec un aplomb sans faille et un enthousiasme manifeste.

Ainsi, parce qu’il nécessite des compétences techniques et un investissement temporel important, la réalisation d’un shred est nécessairement le produit d’un amateur éclairé.  Cette pratique demande, en effet, de mettre en œuvre de grandes compétences : il faut d’abord trouver l’idée qui va précéder à la réalisation ; il faut ensuite produire, avec les formes, une interprétation musicale de mauvaise qualité ; il faut enfin réaliser la vidéo. Ce qui fait que l’on trouve peu de shreds qui soient réussis et qui produisent – véritablement – l’effet escompté.

 

Mashups et manipulations…

… s’invitent à l’exposition Musique & Cinéma qui se déroule à la Cité de la Musique du 19 mars au 18 août 2013. 4 dispositifs au moins retiennent l’attention.

2 d’entre eux reposent sur une compilation d’extraits de films qui sont emblématiques du rapport entre musique et cinéma. Ils s’apparentent à des mashups, à condition de s’accorder sur une définition du mashup qui nous donne à le voir comme un dispositif de médiation du cinéma reposant sur un mélange d’images et de sons .

Le premier mashup est sommaire Il est directement installé dans la salle principale du rez-de-chaussée. Des séquences sont mises bout-à-bout sans logique particulière. On peut ainsi voir et entendre la scène d’ouverture de Drive de Nicolas Winding Refn (2011) et le titre de Kavinsky, « Nightcall », ou celle de Jackie Brown de Quentin Tarantino (1997) sur le célèbre morceau de Bobby Womack, « Across 110th Street » :

Ce dispositif a pour effet de rythmer la déambulation dans une salle d’exposition quasi rectangulaire, à peine dotée de quelques recoins. Nous observons qu’il y a de nombreux visiteurs qui se mettent à siffloter les aires qui leur sont donnés à entendre. Le dispositif permet également de faire une pause, les visiteurs n’hésitant pas à s’arrêter devant l’écran pour (re)voir les séquences entre deux lectures de cartels ou deux consultations de documents.

L’autre mashup est plus remarquable, car il glorifie une série de 40 scènes emblématiques de l’histoire du cinéma. Il est présenté au sous-sol, dans une pièce entièrement plongée dans le noir, pour reproduire les conditions de la projection en salle. Le programme est annoncé avant l’entrée dans l’espace :

Programme des séquences projetées dans la salle en sous-sol
Programme des séquences projetées dans la salle en sous-sol

Les visiteurs sont invités à s’asseoir. Toutefois, pour faire face à l’affluence, certains restent debout, en arrière. Le programme dure environ une heure. Si la plupart des visiteurs n’en regarde qu’une partie, comme c’est le cas avec la plupart des dispositifs vidéo dans les musées, le temps passé dans cette salle, aussi infime soit-il, permet de se rendre compte qu’il y a un réel travail d’agencement et de montage des séquences, ainsi qu’une logique narrative qui est maintenue.

Les deux autres dispositifs sont manipulables. Ils favorisent l’appropriation et l’expérience d’une situation. Un écran tactile, tout d’abord, est mis à disposition du visiteur pour comparer 2 versions musicales  d’une même scène de 2001, l’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick (1968). Le premier track permet d’écouter la bande sonore originale, autour d’un thème de Johann Strauss. Le second track permet d’apprécier ce qu’aurait pu être la même scène avec la musique, commandée et finalement rejetée, du compositeur Alex North.

Manipulation de la bande son de 2001 L’odyssée de l'espace
Dispositif de manipulation de la bande son de 2001, L’odyssée de l’espace de Stanley Kubrick

Le dernier outil est une table tactile permettant de simuler une situation de mixage sonore lors de la postproduction d’un film. Autour de 3 extraits mis librement à disposition des visiteurs, ces derniers peuvent choisir d’augmenter le son de la bande musicale ou celle des dialogues, d’insérer des basses ou de supprimer un élément sonore… la table est située face à un écran, afin d’effectuer des manipulations en temps réel et en direct. La salle est capitonnée pour optimiser les conditions de simulation.

Ce que l’on retiendra de ces expériences, c’est qu’elles participent, à la fois, de l’introduction du principe d’annotation et de celui de participation des visiteurs dans le déroulement d’une exposition. Elles dérogent à la règle d’un cinéma sanctuarisé et sur-réglementé, et rendent compte d’un état de fait : les individus (concepteurs et utilisateurs) ont maintenant pris l’habitude, avec Internet, de manipuler le cinéma, les images et les sons à des fins ludiques, mais surtout médiatiques.

Pour une typologie des formes d’annotation audiovisuelle

Le mot d’annotation est doté d’un double sens. D’un point de vue sociologique, il s’agit d’une activité d’ajout textuel ou graphique sur un contenu préexistant. D’un point de vue sémiologique, c’est le résultat de cette activité.

L’annotation, à l’heure du numérique, englobe une diversité de formes et d’actions. Ainsi, elle renvoie tout autant à l’introduction de commentaires, de mots-clefs, de tags ou de signes graphiques qu’à la production de métadonnées, l’indexation, la segmentation des contenus ou leur partage sur les réseaux sociaux.

Nous proposons, ici, une typologie des formes d’annotation liées à la l’audiovisuel.

1- La première forme que l’on peut rencontrer et qui est aussi la plus répandue, est l’annotation textuelle placée à côté ou en marge du contenu audiovisuel. Ici, on est face à une économie d’écran qui prend forme autour d’un modèle introduisant une distinction entre le contenu vidéo, les annotations et l’outillage utile pour réaliser les annotations. On est donc formellement très proche de l’annotation manuscrite. Des sites comme Youtube ou Vodkaster, ainsi qu’un logiciel comme Lignes de Temps, que nous expérimentons dans le cadre de nos recherches, ont un fonctionnement qui est adossé à ce modèle.

L'annotation textuelle en marge du contenu
L’annotation textuelle en marge du contenu

2- Il y a une deuxième façon d’engager une activité d’annotation textuelle avec les films : il s’agit de l’écriture sur le contenu. Youtube ou la plateforme japonaise Nico Nico Douga permettent de réaliser ce type d’annotations. Généralement, ce sont des commentaires apposés sur le flux. Il peut également s’agir d’hyperliens, d’une traduction de la piste audio ou encore de la transcription des paroles d’une chanson (vidéoclip, vidéo de karaoké, etc.). Ici, l’annotation prend la forme d’une bulle, à la manière dont on peut en trouver dans les bandes-dessinées, ou d’un texte incrusté sur l’image.

L'annotation sur le contenu
L’annotation sur le contenu

3- On repère une troisième forme d’annotation sur laquelle repose le dispositif Polemic Tweet. Avec cet outil, qui a été expérimenté à l’occasion de la tenue de conférences ou de colloques, on peut marquer son accord ou son désaccord avec le conférencier, introduire une référence ou encore soulever une question en faisant usage de son compte Twitter. La somme des annotations donne à voir, au final, une ligne graphique représentant des niveaux d’activité (hauteur des barres) et des types d’activité (codes couleurs).

L'annotation polémique
L’annotation polémique

4- Il y a, ensuite, des formes élémentaires d’activités à caractère évaluatif qui reposent sur l’activation d’un bouton. On pensera à la fonction Like de Facebook qui permet de déclarer son intérêt ou son affection pour un contenu mis en partage par un internaute, ou qui permet, plus simplement, de montrer que l’on a pris connaissance de l’information médiatisée. On pensera encore aux quatre boutons du logiciel Polemic Tweet qui permettent, en un clic, de faire une déclaration d’intention vis-à-vis d’un contenu sur le mode de l’adhésion ou du rejet.

L'annotation évaluative
L’annotation évaluative

5- Il y a, en cinquième lieu, l’annotation graphique, reposant sur le pointage d’un élément du film. Dans l’émission Faux Raccord, que l’on peut trouver sur le site d’information dédié au cinéma Allociné, l’annotation graphique permet d’attirer l’attention sur des erreurs de réalisations (que l’on appelle traditionnellement des faux raccords, comme le titre du programme le suggère).

L'annotation graphique
L’annotation graphique

6- On peut trouver une sixième façon d’engager une activité d’annotation qui repose sur le découpage des objets audiovisuels et leur médiatisation. Dans le cas de Vodkaster, ce geste est central, le découpage d’une partie de film jouant comme un commentaire sur le film lui-même, parce que la scène est emblématique, parce qu’elle est drôle ou parce qu’il s’agit d’un moment important. Lignes de Temps propose aussi des fonctionnalités de segmentation des films à des fins d’analyse.

Le découpage
Le découpage

7- Réaliser des annotations peut aussi avoir une valeur créative comme dans le cas des vidéos réalisées par les membres du groupe belge de musique électronique The Subs. Ceux-ci font un usage des outils d’annotation mis à disposition par Youtube qui va dans ce sens. Ils ont ainsi réalisé trois épisodes d’un programme intitulé The Famous Videocast, dans lequel sont présentés des vidéoclips. À la fin de chaque présentation, une forme graphique modélisant un hyperlien se forme à l’écran. En cliquant dessus, on bascule alors sur l’URL du vidéoclip qui a été présenté, ceci afin de le visionner. Ce dernier contient un bandeau sur lequel il est possible de cliquer à tout moment pour retourner sur le programme.

L'annotation créative
L’annotation créative

8- En dernier lieu, il y a le mashup (ou remix audiovisuel), qui est une pratique reposant sur le découpage de séquences appartenant à un même film ou à plusieurs films, puis sur l’assemblage desdites séquences. Cette pratique peut pleinement être associée à une activité d’annotation car il s’agit, avec elle, de créer un réseau de concordances (matérielles et/ou symboliques) entre des extraits. La particularité de ce principe est qu’il n’introduit aucun connecteur textuel ou graphique entre les extraits. La seule activité d’assemblage remplit une fonction annotative.

Bal(l)ade au Mashup Film Festival organisé par le Forum des Images.

Le temps de 2 journées et d’une soirée, du 22 au 24 juin 2012, le Forum des Images s’est transformé en temple du film bricolé, du film amateur, du film numérique.

L’élément principal qui retient l’attention est la mutation de ce lieu de la quotidienneté dédié au cinéma en lieu de l’événement. Dès l’entrée dans le Forum, on perçoit aussitôt que quelque chose, ici, a changé. Que nous pénétrons dans un autre univers. Divers espaces de passage sont investis le temps de la manifestation, venant rompre avec nos petites habitudes. Les non-lieux du Forum se sont subitement transformés en lieux d’activité.

Sur la gauche, le Mashup Cooker nous attend pour faire mijoter images, textes et autres sons. On retrousse ses manches, on enfile le tablier et on choisit ses ingrédients : des images qu’on sélectionne en fonction de ses envies. On les dépose sur la cuisinière, et, comme par enchantement, elles s’animent à l’écran. Une pincée de musique ? Pas de problème, on prend une carte sonore et on la dépose à côté.

Géraldine et Charlotte, qui traînent leurs guêtres en cuisine, ont pris une image de limace et une autre de méduse auxquelles elles ont associé une petite musique pop. À l’écran, au dessus des casseroles, on admire le résultat qui s’avère être, pour le coup, tendancieusement psychédélique.

Sur la droite, la Web Radio de Silicon Maniac. Ici, on peut prendre ses aises et écouter les intervenants, en tendant l’oreille ou en se connectant. Jean-Yves lance les journées en nous donnant le programme. D’autres intervenants sont ensuite attendus au micro pour nous dire un mot du Mashup Film Festival.

Comme la manifestation est entièrement gratuite, je prends mon ticket et je monte à l’étage non sans avoir salué les vigiles sympas qui surveillent l’escalier. Ici, il y a l’atelier Machinima où l’on apprend à faire des films avec des images de jeux vidéo. Ça s’anime, on échange. Chacun selon ses goûts ; chacun selon ses humeurs. Derrière, il y a l’équipe d’Install Party qui est là pour libérer ton ordinateur et le rééquiper entièrement de logiciels libres.

Le lieu de transit le plus bouleversant, en ce sens qu’il s’agit bien d’un non-lieu de l’ordinaire du Forum, c’est le couloir qui nous mène à la salle 500. Ici, un écran nous donne à voir une sélection de mashups et, sur les murs, des cartels nous présentent les films projetés (Zzzebra Enjoy The Silence, Hitler participe à un dîner presque parfait…).

Chacun d’eux est accompagné d’un QR Code nous permettant de regarder, instantanément, le film qui nous intéresse. Je dégaine donc mon smartphone et viens en flasher un . Je le regarde sur mon petit écran. Et puis, comme j’ai vu un peu partout qu’il y avait une page Facebook et un fil Twitter consacrés au festival, j’en profite pour pianoter quelques mots à mes amis et followers connectés. J’avoue avoir secrètement le désir de les rendre un peu jaloux et de les motiver à venir me rejoindre.

Plus cosy, mais aussi plus studieuse, la salle des collections est investie par le festival Cinecast, partenaire du Mashup Film Festival. Un festival dans un autre, en sorte, qui nous propose une sélection de 15 films consultables et annotables en direct. Les écrans me permettent également d’accéder au site Internet de la manifestation. Je peux y consulter quelques-unes des propositions du festival et, là encore, donner mon point de vue.

Que faire d’autre ? Entrer dans les salles du Forum pour suivre une conférence : celle de Vincent Puig sur les enjeux des pratiques collaboratives et de la contribution ; celle de Jérôme Lefdup qui nous entraîne dans son univers de bricoleur cinéphile ; ou celle consacrée à une réflexion sur le droit d’auteur… Puisqu’une des grandes questions que pose le mashup, mais aussi la circulation des contenus audiovisuels en ligne, est bien celle de la légalité.

Changer d’air c’est aussi changer de salle, et ne pas hésiter à pratiquer le zapping. Le festival nous y invite, de toute manière, tant l’offre est foisonnante. C’est aussi ça devenir « mashup festivalier » : assembler des bribes de propositions et se fabriquer son propre événement. Celui-là même que personne d’autre ne concevra comme vous, même si tout le monde, sur le papier, dispose d’une même offre, des mêmes possibilités, des mêmes outils.

Je file donc regarder une sélection de courts-métrages sur le thème des « imaginaires de cinéma ». J’ai bien fait, car je tombe sur Manual de Christophe Girardet et Mathias Müller (2002) : 10 minutes consacrées à l’extraction et l’assemblage d’extraits de films dans lesquelles on voit des personnes activer des machines ou des magnétophones d’un autre âge, comme pour nous rappeler que le fantasme technologique ne date pas d’aujourd’hui. Un bout du film PressPausePlay de David Dworsky et Victor Kölher (2011), ensuite, visionné sur un écran de la filmothèque, et qui me porte à réfléchir sur les usages des nouvelles technologies. Sex Galaxy de Mike Davis (2008), enfin, un délire à la fois futuriste et rétrograde à se tordre de rire.

Au Mashup Film Festival, on vient donc voir des mashups dans tous les sens. On vient aussi en faire, même si l’on ne sait parfois pas très bien qu’est-ce qu’on est en train de voir et qu’est-ce qu’on est en train de faire. Mais ça, c’est la magie du mashup : se perdre et se retrouver continuellement. Comprendre et s’interroger. Se ravir de (re)voir des moments de films qu’on aime, mais aussi en découvrir d’autres qui nous donneront, à coup sûr, envie de retourner à l’original. Car le mashup, oui, j’ai oublié de vous dire : c’est un objet audio-visuel qui repose sur l’agencement d’autres objets lui préexistant. Je ne saurais comment vous en parler autrement…

… Regardez donc le film gagnant du concours de mashups Part [im]ages : À la recherche de Thierry Proust