Short Cuts #17 a eu lieu le 1er décembre 2016 à l’Institut Catholique de Paris. La séance a porté sur le MOOC « La loi des hommes et la loi de Dieu » produit par l’ICP et réalisé par Sébastien Balanger. La séance a été animée par Sébastien Balanger et Michaël Bourgatte de l’Institut Catholique de Paris.

Ce cours en ligne porte sur le droit de l’église et il est proposé sur France Université Numérique . Il traite de la justice religieuse, de son application et de ses implications dans la société civile : qu’est-ce que le droit canonique ?, quelles relations entretiennent la société civile et la société ecclésiale ?, comment la justice ecclésiastique est-elle organisée ?, comment ce droit peut-il garantir et protéger les libertés fondamentales ?

Autant de questions qui nécessitent d’être débattues. Par ailleurs, au cours de cette séance, nous avons pu mesurer l’importance du travail de co-écriture audiovisuelle avec les intervenants, de réalisation, de montage et de direction de tournage pour assurer la qualité d’un MOOC.

Pouvoir, autorité, leadership et manipulation dans les organisations : ‘Le direcktor’ de Lars Von Trier

Short Cuts #16 a eu lieu jeudi 13 octobre de 18h à 20h à l’ICP (19, rue d’Assas Paris 6e). La séance est animée par Sabine Sépari, Maître de Conférence HDR en Sciences de gestion à l’Ecole Normale Supérieure de Cachan. Durant cette séance, elle nous parlera de son expérience d’animation d’un cours de Master sur le pouvoir, l’autorité, le leadership et la manipulation dans les organisations à travers le film Le Direcktør de  Lars Von Trier (2006).

Ce film permet de poser beaucoup de questions sur le pourquoi et le comment du pouvoir au travers d’un dispositif de miroir patron/acteur. L’occasion de discuter de thèmes à la fois liés au cinéma, au pouvoir dans nos sociétés et à la pédagogie.

Synopsis : un directeur d’entreprise, n’osant pas affronter ses salariés, alors qu’il a pris la décision de vendre son entreprise et ses employés, paie un acteur de théâtre pour endosser son rôle. L’acteur évolue au cours de son interprétation et s’implique face aux menaces de licenciement pour les salariés, pour la pérennité de l’entreprise.

  • Qui a le pouvoir ? Qu’est ce qui est réel ? Représenté ? Manipulé ? Qui décide ? Quel est le poids de l’environnement interne et externe ? Quelles sont les relations et les clans qui se nouent et se dénouent ?
  • Le procédé filmographique choisi par le réalisateur est également source de débat sur le monde de l’entreprise (décor, prise de vue…), ses biais, ses manipulations, sa froideur, sa technicité….
  • Pourquoi passer par un support cinéma ? Pour faire réfléchir, amener des concepts, animer des débats, transmettre des connaissances, confronter le réel et le virtuel, en dehors de tout cadre préétabli, de toutes références théoriques managériales a priori.
  • Quel meilleur vecteur qu’un vrai film de cinéma pour encastrer le management dans la vie réelle et dans la vie « représentée » ?

Climat : lecture-performance de son poème par Laurent Grisel

Short Cuts #15 a eu lieu à Telecom Paristech le mercredi 1er juin 2016. Pour cette séance nous avons eu le plaisir d’accueillir la lecture-performance, par son auteur, Laurent Grisel, d’un poème intitulé Climats.

Climats relève plusieurs défis : rendre sensible un phénomène dispersé et très variable aujourd’hui, le changement climatique, jamais expérimenté par l’humanité et pour une grande part de l’ordre de la conjecture et des modélisations ; combiner des registres de langue réputés incompatibles entre eux (scientifique, politique, narratif, imaginaire, sensible) ; créer un poème épique dont les héros et les protagonistes sont innombrables.

Climats a donné lieu à de nombreuses lectures-performances. Il fait partie de la sélection 2016-2017 du Prix des Découvreurs qui implique chaque année entre 1500 et 2500 lycéens.

Laurent Grisel est engagé personnellement et professionnellement depuis longtemps dans les enjeux environnementaux. Il a été responsable de ces questions dans une grande organisation nationale de consommateurs ; à ce titre il a été le premier président du Comité français des écolabels. Il a été également le premier président de la Commission d’agrément des éco-organismes (écoemballages, etc.). Il a été directeur général de la société Écobilan et fait partie des rédacteurs des normes de la série ISO 14040. Aujourd’hui, il milite activement pour un mix énergétique décarboné et des changements profonds dans les systèmes de production et d’échange, dans les modes de vie, qui soient compatibles avec la vie sur cette planète.

Le webdocumentaire chez MKF Editions

Short Cuts #14 a eu lieu à l’ICP le 10 mars 2016. Mikaël Ferloni – éditeur et porteur de projets éditoriaux numériques innovants – nous a présenté deux webdocumentaires dont il a été le producteur, et, de surcroît, le co-auteur pour le second d’entre eux.

Le webdoc Africa Express (2012) est un Tour d’Afrique en train des énergies durables qui nous emmène du Maroc à l’Égypte en passant par l’Ouganda. Ce projet s’est inscrit dans le cadre de l’Année Internationale de l’Énergie Durable pour Tous et venait interroger les difficultés rencontrées sur ce continent.

One Myanmar, les voix du changement (2015) est un webdocumentaire réalisé dans le cadre des Élections Générales de novembre 2015 en Birmanie. Après un demi-siècle de dictature militaire, le pays est en train de connaître une transition politique sans précédent depuis l’Indépendance. Ce film donne la parole à des birmans et interroge leur identité.

Quand les artistes vidéastes s’emparent du cinéma

Shortcuts #13, préparé et animé par Florence Lesavre et Sylvie Balland, a eu lieu à Telecom Paristech le 9 décembre 2015.

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Cycle des contenus parcourus lors de la séance

Présentation de la séance

Cette séance nous a fait partager plus d’une vingtaine de travaux d’artistes vidéo qui incluent des traces, des résurgences, des citations du septième art sur d’autres écrans, avec ou en-dehors de la fiction. À partir des œuvres, notamment, de Dominique Gonzalez-Foerster, Christian Marclay, Pierre Bismuth, Pierre Huyghe, Pascale Ferran et d’autres, nous avons pu aborder les questions suivantes :

  • Comment tous les quotidiens, reflétés par le cinéma, nous donnent-ils à voir des bribes de réalités, des histoires à lire ou à inventer ?
  • Comment ouvrent-ils des liens dans notre relation au temps, à l’espace, aux images… bref, au monde ?
  • Et si nous considérions « les films de cinéma » comme un « fond commun » de notre « imaginaire collectif » ?

Fraternité

La douzième séance ShortCuts s’est tenue le jeudi 8 octobre 2015 dans l’amphithéâtre René Rémond de l’Institut Catholique de Paris. Cette séance a été l’occasion de voir le film Fraternité de Sébastien Balanger, en présence du réalisateur.

Synopsis : Dans le Nord de la France, une communauté de moines vit dans la plus stricte austérité. Depuis des siècles, leur objectif est resté le même : chercher Dieu dans le silence, et tenter de vivre sur Terre une véritable fraternité.

Fraternité from Sébastien Balanger on Vimeo. Durée : 54 minutes. Date de sortie : 2003. Production : Sombrero and Co.

Les discussions après la projection ont porté notamment sur la grande liberté de parole des moines, tant sur le plan théologique que sur leur vie en communauté, et sur les conditions du tournage.

Cinema, Self, Help, Social Practices

La onzième séance ShortCuts est programmée le jeudi 4 juin 2015 à TélécomParistech.

Animé en langue anglaise par Charles Egert (professeur à Télécom, Ecole de Management), cette séance a porté sur le thème « Cinema, Self, Help, Social Practices ».

Because self-help culture relies on common sense, the film narrative can include it as a social practice yet not quite acknowledge it. By using the idea of social practices in excerpts from films such as « Executive Suite », The Assassination of Richard Nixon and Nurse Betty, among others, we looked at how self-help culture over history is embodied in turn in positive or negative narratives of success, self-actualization or journey.

L’école et la diffusion d’une culture audiovisuelle

Émergence d’un langage

La diffusion massive du cinéma et de la vidéo depuis un siècle a permis la montée d’un nouveau langage élaboré à partir d’images animées. Des auteurs n’ont pas manqué de relever ce phénomène, à l’instar de Lawrence Lessig et de ou Régis Debray qui parlent, respectivement, de « société vidéographique »[1] et de « vidéosphère »[2]. Dans leurs travaux, ces deux chercheurs insistent clairement sur la valeur scripturale de la vidéo.

Comme pour toutes formes d’écritures, des « arts de faire »[3] se sont peu à peu installés : le plan-séquence des frères Lumière ; la pratique du montage avec George Méliès ; la mise en relation de plans de telle manière qu’ils influent sur la structure globale du récit filmique, comme cela a été révélé par Lev Koulechov ; la recherche de l’intimité la plus profonde avec le réel, projet porté par les tenants du cinéma direct des années 1960-1970.

Dans les marges de ces grands projets d’élaboration d’un langage cinématographique, on a vu émerger des façons de faire qui sont autant de manière d’utiliser la matière filmique pour s’exprimer. Et ces marges sont d’autant plus grandes que les possibilités de capter des images se multiplient dans le temps, d’abord avec la poussée des matériels amateurs, et bientôt avec les technologies du numérique, ce qui offre la possibilité à un nombre croissant d’individus d’utiliser des images animées pour créer et communiquer.

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Des événements vidéographiques

La construction d’un langage n’est pas uniforme : elle s’élabore dans le temps long et elle s’établit par touche. L’acte de construction d’un discours vidéo a longtemps été entre les mains de quelques-uns (les cinéastes professionnels). Il est aujourd’hui à la portée de tous. Producteurs d’images originales ou remixeurs d’images sont en prise avec des matériels de tournage, de montage, de manipulation de la vidéo. Deux expériences retiennent l’attention.

Il y a d’abord l’élaboration de discours vidéo originaux et/ou une pratique de médiatisation de son activité à l’aide d’applications telles que Vine, Snapchat ou Periscope. L’utilisateur reprend alors à son compte le principe ancestral du plan-séquence ; il travaille son montage pour produire un récit minimal ; il réalise des trucages. Il peut également s’adonner à une activité cinématographique avec une caméra, un ordinateur et un logiciel de montage. Dans tous les cas, l’objectif est de communiquer avec une communauté d’intérêt(s) qui sera soit publique, soit fermée et composée de proches.

Il y a ensuite le principe du mashup qui consiste à agencer des séquences filmiques préexistantes pour produire un nouveau montage et donc, un nouveau discours. Cette pratique, qui repose sur le déplacement de fragments de films ou de vidéos pour produire un nouvel objet audiovisuel, entraîne une modification du sens des fragments. C’est ce qu’Antoine Compagnon appelle « la mobilité du sens » quand il parle de la citation – c’est-à-dire de l’extraction puis du déplacement d’un fragment textuel vers un autre texte[4].

Là encore, le mashup entretient une filiation assez claire avec des pratiques anciennes : le Found Footage (qui consiste à réaliser un film à l’aide d’images d’archives)[5] ou des pratiques connexes appartenant à d’autres champs, comme le Cut-Up en littérature[6]. Il s’en distingue pourtant, car il est doté d’une valeur médiatique. En effet, il maintient une relation étroite avec le contenu premier qu’il médiatise. Avec le mashup, il ne s’agit pas de rendre la source absente, mais bien de dialoguer avec elle.

Pour une éducation à la lecture des images et aux pratiques vidéo

Il y a actuellement une poussée des discours critiques qui étaient, ces dernières années, cantonnés à quelques poches de la sphère académique ou des milieux intellectuels. Une partie d’entre eux repose sur des rumeurs[7], comme ceux qui laisse entendre que les personnels de la Silicon Valley éloignent leurs enfants des écrans[8]. L’autre partie est argumentée et structurée. Mais l’intention est la même : dénoncer le pouvoir aliénant des images qui pactisent massivement avec la société du capital selon un principe de standardisation des structures de récit. Ce que Peter Watkins appelle Monoforme[9].

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Ces critiques portent sur le cinéma hollywoodien et ladite pauvreté des programmes télévisuels, marronniers des critiques faites aux images en prise avec le système capitaliste. Cependant, les plus vives d’entre elles portent aujourd’hui sur Internet, compte tenu de sa récente et fulgurante montée en puissance. Outre la forme des images, on dénonce l’emprise des économies d’écrans qui produisent une sérendipité téléguidée grâce aux algorithmes et aux métadonnées ; on dénonce également le brouillage entre réel et fiction, ainsi que la publicité. Le phénomène récent des Creepyspastas entérine cela. Ce sont des histoires ludiques et mystérieuses, hollywoodisées, qui prennent la forme de légendes urbaines et qui mettent l’internaute au centre d’un système de promotion virale d’un produit.

En ce sens, les pratiques de lecture et de production d’images animées, qui ont longtemps été considérées comme accessoires par les pouvoirs publics et ont été abandonnées à des initiatives issues de l’éducation populaire, sont sérieusement reprises en main par les institutions et les pédagogues. On observe une prise de conscience généralisée qui les conduit à placer ces pratiques au centre des apprentissages, car elles s’imposent comme des fondamentaux utiles pour évoluer dans nos sociétés contemporaines. C’est ainsi qu’on voit se multiplier des initiatives dans les écoles avec des logiciels d’annotation expérimentaux (Celluloid, Lignes de Temps, Vialogues), de petites caméras ou des appareils photo.

Michaël Bourgatte

Ce texte a fait l’objet d’une conférence le 3 septembre 2015 lors des Rencontres du pôle d’éducation à l’image – Films en Lorraine, à l’Institut Européen du Cinéma et de l’Audiovisuel de Nancy.

[1] Lessig, L. (2009). Remix : Making Art and Commerce Thrive in the Hybrid Economy. New-York : Penguin Press.

[2] Debray, R. (1992). Vie et mort de l’image. Une histoire du regard en Occident. Paris : Gallimard.

[3] Certeau (de), M. (1990). L’invention du quotidien. Arts de faire. Paris : Gallimard

[4] Compagnon, A. (1979). La seconde main ou le travail de la citation. Paris : Le Seuil.

[5] Brenez, N (2002). « Montage intertextuel et formes contemporaines du remploi dans le cinéma expérimental.” Cinémas: Revue D’études Cinématographiques 13, no. 1–2 : 49–67.

[6] Lemaire, G.G. (1994). « Les mythes que renferme la machine à écrire molle ». Préface à Burroughs, W. La machine molle – Le ticket qui explosa – Nova Express. Paris : Christian Bourgeois, p. 9-26.

[7] Morin, E. (1982). La rumeur d’Orléans. Paris : Le Seuil.

[8] Parmi d’autres, cf. : http://www.francetvinfo.fr/monde/ameriques/ces-patrons-de-la-silicon-valley-qui-interdisent-la-high-tech-a-leurs-enfants_695203.html

[9] Watkins, P. (2015 [2004]). Media crisis. Paris : L’Echappée.

La « classe inversée » appliquée à une journée de recherche ? Retour sur la journée PICNIC Data

Organisées pour la deuxième fois en juin 2015, les journées PICNIC (Pratiques, Innovations et Créativité Numérique dans les Institutions Culturelles) visent à susciter des échanges entre chercheurs et professionnels des musées et des institutions culturelles autour du numérique. L’objectif de la journée PICNIC « Data »[1] organisée cette année était de travailler plus spécifiquement avec les participants aux enjeux de la collecte et de l’exploitation des données numériques. Un grand nombre de données sont en effet produites par les publics des musées lorsqu’ils utilisent un site Internet, une application mobile ou un dispositif en salle d’exposition. Pourtant, au-delà des grands discours et des injonctions politiques, ces institutions peinent encore à élaborer des stratégies pertinentes, permettant de répondre aux défis technologiques, mais aussi déontologiques et culturels posés par les usages de ces données numériques massives (ou « Big Data »).

Afin d’aborder ces problématiques complexes de manière concrète, la journée s’articulait autour de trois temps :

  • Exploration de l’outil Google Analytics qui permet de mesurer les audiences de sites, de cerner les profils des visiteurs et de mieux connaître les pratiques de navigation ;
  • Découverte et manipulation de l’application de « livre d’or électronique » GuestViews : un service qui permet aux visiteurs de s’exprimer dans le prolongement de leur visite et aux musées de collecter et d’analyser les informations ainsi recueillies ;
  • Présentation d’un système expérimental dit « Li-Fi », développé par l’ISEP, qui permet d’obtenir des informations sur des objets, par exemple exposés dans les vitrines d’un Musée.

Comme on peut le voir dans cette vidéo, notre volonté était de proposer une journée articulée autour de l’expérimentation concrète de technologies qui mettent en jeu l’exploitation de données numériques :

Mais pour que cette exploration soit pertinente, encore fallait-il que tous les participants bénéficient des bases théoriques suffisantes quant aux enjeux du Big Data. D’où l’idée de faire appel au principe de la classe inversée, habituellement plus utilisée dans le cadre pédagogique que dans celui de la recherche. En amont de la journée PICNIC, nous avons donc réuni un panel de spécialistes du Big Data et avons filmé leurs échanges :

Ces vidéos ont été mises à disposition des participants de la journée, en leur proposant de les regarder avant celle-ci. Ainsi, pendant la journée, les participants pouvaient manipuler et interroger les outils à partir d’un cadre conceptuel et de problématiques communes.

Cette démarche est bien sûr couteuse en organisation, mais elle permet de gagner un temps précieux lors de journées de recherche toujours trop courtes. Le principe de la classe inversée permet de réserver le temps de la journée aux échanges entre chercheurs. On sait bien que dans beaucoup de journées d’études et de colloques, les échanges n’occupent pas la place qu’ils devraient (quelques minutes de questions à la fin d’une intervention, quand celles-ci ne sont pas purement et simplement supprimées, car l’intervenant a dépassé le temps qu’il lui était alloué pour sa présentation magistrale, etc.).

Lors de nos prochains évènements de recherche, nous allons donc tenter de poursuivre cette démarche, en mettant à profit l’outil d’annotation vidéo Celluloid que nous développons : en plus de mettre simplement des vidéos à disposition, celui-ci nous permettra en effet de préparer les échanges et les questions autour des vidéos, mais aussi de les poursuivre à la suite de la journée.

Dans la logique qui est celle des Humanités Numériques, l’objectif est bien ici d’instrumenter la pratique de la recherche en SHS grâce aux possibilités offertes par le numérique. Dans ce cas précis, on pourrait dire que cette expérimentation veut promouvoir la pratique de colloque ou de séminaire « inversé » – ou Flipped Seminar  en suivant le modèle des Flipped Classrooms.

Laurent Tessier

[1] Cette journée était organisée par l’Atelier du numérique et le Centre Édouard Branly de l’ICP, en partenariat avec le service Études et Recherche de la Direction de la recherche et des collections du Musée du Louvre, l’EBD, les éditions MkF et le Museum d’histoire naturelle du Havre. Cette journée faisait suite à une première rencontre organisée en juin 2014 sur le thème de la médiation muséale.

Je copie, je colle, je crée : pour une culture de l’appropriation

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Passeurs d’Images est un dispositif d’éducation à l’image qui met en place des projets d’action culturelle cinématographique et audiovisuelle hors temps scolaire. Du 9 au 11 janvier 2014, Passeurs d’Images organise ses rencontres annuelles autour de la thématique du « plaisir de jouer avec les images » à la Maison des Métallos. Pour l’occasion, Michaël Bourgatte a été invité à la table « Je copie, je colle, je crée : pour une culture de l’appropriation », qui se tiendra le 9 janvier 2014 entre 16:40 et 18:30. Cette table abordera la question des détournements, du mashup, du remix, du found footage et, plus largement, la question de la réappropriation des contenus. Comment et pourquoi créer à partir d’images existantes ? Faudrait-il repenser l’articulation entre amateur et professionnel, producteur de contenu et récepteur ?

La table sera animée par Jean-Jacques Gay, Curateur indépendant, critique d’art, enseignant en cinéma et nouvelles technologies. Avec Sophie Accolas, Anthropologue ; Michaël Bourgatte, Sociologue, ICP – Centre E. Branly ; Yves-Marie Mahé et Derek Woolfenden, Réalisateurs, Collectif Négatif, YNA et bAc, Fondateurs de Vidéosampleur (VSP).

Michaël Bourgatte reviendra sur la problématique générale de la manipulation des images qui n’est pas un phénomène nouveau. En effet, dès l’origine du cinéma, les cinéastes ou des monteurs habilités coupent, collent et remontent les films, générant des versions multiples. On voit qu’il y a quelque chose qui relève de l’expérimentation et de l’expérience dans ces pratiques, et que celles-ci ne sont pas réductibles à de l’amusement. Il y a une volonté réelle de produire des objets cinématographiques originaux et particuliers. Aujourd’hui, avec les technologies du numérique et internet, ce type de pratiques s’est banalisé au sein des communautés d’amateurs. On a souvent tendance à regarder ces films sous le seul angle de la distraction et de l’amusement. Or, ils sont chargés d’un discours social et convoquent des univers culturels de référence.

La notion de plaisir, qui est rattachée à la manipulation des images et à la réalisation de films amateurs, doit donc être approchée de deux manières. Il y a d’abord le plaisir simple de l’activité créative : découper, transformer, assembler des séquences filmiques. Il y a, ensuite, le plaisir complexe de l’élaboration d’un message que l’on souhaite faire passer à un destinataire ou à un public à partir de ce nouveau montage. Ce qui veut dire que le plaisir n’est pas solitaire. Il prend forme dès lors qu’un individu regardant le film manifeste, en retour, du plaisir : plaisir de voir, d’une part, et plaisir d’apprendre ou de comprendre, d’autre part.